Historia del diseño 1900-1920

El post-impresionismo

El post-impresonismo es un térmio histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. En la década de 1880 algunos artistas empezaron a desconfiar de la representación instantánea de la realidad propugnada por los impresionistas, e iniciaron una búsqueda de principios más estables y perdurables, por lo cual se interesaron, en gran medida, por los paradigmas de grandes maestros anteriores al impresionismo. A excepción del movimiento neoimpresionista, que bajo el liderazgo indiscutible de Seurat sí constituyó un grupo organizado, los maestros del postimpresionismo (Cézanne, Van Gogh y Gauguin) desarrollaron una obra muy personal partiendo de las enseñanzas de Pissarro. El término <<postimpresionismo>> fue empleado por Robert Fry, el crítico inglés, con motivo de la exposición <<Manet y los postimpresionistas>> que se celebró en Londres en 1910. Cézanne, Van Gogh y Gauguin se opusieron al naturalismo que estaba vinculado a la apariencia de las cosas y buscaron un nuevo sistema de concebir el arte, lo que comportó que se replantearan sus investigaciones formales. Emprendieron la búsqueda de un estilo personal que propició que las obras de un artista gozaran de mayor reconocimiento que en cualquier otro periodo de la historia del arte.

Una tarde de domingo en la isla de la Grande
Jatte (206 x 306cm, Art Institute, Chicago.
Georges Seurat.

Los unicornios (1898, óleo sobre tela,

115 x 90cm, Museo Moreau, París)
de Gustave Moreau 

El pobre pescador (óleo, 155,5 x 192,5cm,
Museo de Orsay, París).
Pierre Puvis de Chavannes en 1881.    

La isla de los muertos (h. 1886, óleo,
Museum der Bildenden Künste, Leipzig).
Arnold Böcklin.

Grandes individualidades

En el agitado panorama de fin de siglo destacan varios artistas de difícil clasificación. Cada uno de ellos afirmó su personalidad e impuso a través de su obra pictórica su propia independencia. La pintura se desprendió, por fin, de realismo que había imperado hasta el momento y abrió nuevas vías en el arte moderno que tendrían en cuenta más tarde los pintores vanguardistas. Uno de los artistas más representativos de este período y que ejerció una gran influencia en los artistas posteriores fue Paul Cézanne.

La montaña de Sainte-Victoire (1902-1906,
óleo sobre lienzo, 65,5 x 83cm, Kunsthaus, Zurich,
Suiza)fue pintada por Paul Cézanne. 

 La noche estrellada 1889 (óleo sobre lienzo,
73 x 92cm) MOMA de Nueva York.
Van Gogh.

Las tres edades de la vida (180 x 180cm).
Gustav Klimt,1905. Galería de Arte Moderno de Roma. 

Salomé, (178 x 46cm).
Oleo pintado en 1909,
Gustav Klimt, conservado
en la Galería de Arte
Moderno de Venecia

Arts & Crafts

Arts and Crafts es un movimento artísticos que se origina a finales del siglo XIX. se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista y político. Un hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland,  Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita. 

Aunque el Modern Style inglés no es equiparable al modernismo europeo, en Inglaterra podemos encontrar los precedentes inmediatos del nuevo estilo: la extension de los productos fabricados en serie y la reacción contra la mecanización por parte de William Morris (1834-1896) desembocaron en un movimiento llamado Arts & Crafts.

Tulip and willow (1873)
W. Morris. Lápiz y acuarela.

Barniz de pasto. Gilberto Granja.

Peter van Dyck. Teapot.

Decoración de la iglesa de
St. Francis.

Christopher Dresser. Teapot, 1879.

Bowl de vidrio. Galeria Nacional de arte.

Sala del Palau de la Música Catalana de Barcelona, obra de Lluís Doménech i Montaner (1908). 

Art Nouveau 

Este estilo constituyó un inicio fundamental de la realidad arquitectónica moderna, así como una especie de unidad básica que transmitió la gran herencia cultural del siglo XIX al siguiente.

El origen del Art Nouveau se encuentra en el Gothic Revival, el movimiento Arts and Crafts, la construcción del hierro, la moda de los objetos orientales, el gusto ligado a las nuevas técnicas particulares como la de la curvatura de la madera. Todos estos componentes aportaron una contribución al nacimiento de un nuevo lenguajes. Pero no fue solo un estilo arquitectónico. Abarcó todas las costumbres de la época, es la conclusión de una larga evolución de problemas culturales y de variaciones de gusto.

El Art Nouveau en Francia aparece aisladamente en comparación con el centralismo de Inlgaterra. En el último tercio del siglo XIX aparecieron algunos esbozos modernistas como el gusto por la estructuras de acero de los arquitectos e ingenieros. Obras como la de la torre Eiffel de Gustave Eiffel para la exposición mundial de 1889 y el pabellon de máquinas muestran un gran gusto por la silueta propia del Art Nouveaus francés. Los diseñadores del Art Nouveau trabajan en gran cantidad de medios y materiales desde pequeños objetos de arte como joyería, cristalerías, muebles, diseño grafico, objetos metálicos. En el campo grafico y en especial en los carteles el estilo se volvió más vigoroso con el empleo de amplias zonas brillantes y el empleo de líneas fuertes y expresivas. 

Biblioteca Nacional de París, Henri Labrouste,
Las bovedas esféricas las sostienen 16 columnas
 de hierro  fundido muy estilizadas.

Viacuducto G. Eiffel.

Metro de París.

Cartel publicitario para
la exposición universal
de 1889, en Paris.

El Jugendstil Alemán

¨Jugend¨ fue el nombre de la revista artística y literaria creada por Georg Hirth en el año 1896 en Múnich, Alemania. Sus publicaciones semanales se convirtieron en un icono del Art Nouveau Alemán que se dio a conocer como el Jugendstil. Palabra ocupada hasta el día de hoy por diseñadores gráficos alemanes para referirse al arte de esa época. Georg Hirth fue también uno de los pensadores con más influencia en el Múnich del s. XIX. Y su casa, que hoy es la Embajada de Francia, fue un refugio lleno de escritores, poetas y artistas que cautivados por las ideas modernas buscaban una nueva filosofía y una nueva manera de ver el arte por medio de la ayuda del Jugend.

Jugendstil y Art Nouveau
 alemán.

Portada de la edición
no. 22. Jugendstil.

AEG en Alemania

La Allgemeine Elektricitäts-Gessellschaft (AEG), en español "Compañia General de Electricidad", era una empresa alemana fundada en 1883 por Emil Rathenau, que en ese año adquirió la licencia de las patentes de Thomas Alva Edison en Alemania. La empresa, en principio, se llamó Compañia Edison de Alemania. En los comienzos la empresa se dedicó a la fabricación de calentadores de agua eléctricos, planchas eléctricas, teteras eléctricas y otros aparatos. A partir de 1907, comenzó a trabajar como asesor el diseñador Peter Behrens, que diseñó la imagen corporativa de la empresa, los edificios de sus fábricas y una serie unificada y sistémica de prodcutos eléctricos, además de la famosa AEG Turbinenhalle de Berlín. La compañía fue disuelta en 1996, aunque la marca AEG sigue siendo utilizada por Electrolux, empresa que adquirió los derechos de la marca.

AEG, tetera eléctrica diseñada por
Peter Behrens en 1909.

Reloj industrial. Ptere Behrens.

Nave de turbinas AEG, Berlín.

Lámpara para AEG,
Peter Behrens, 1912.

Carteles promocionales hechos por Peter Behrens.

Fuentes:

http://tom-historiadelarte.blogspot.mx/2007/05/el-postimpresionismo.html
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/graphic_designers/william_morris.html
http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm
http://blahonline.cl/portadas-jugend-munchner-illustrierte-wochenschrift-fur-kunst-und-leben/
https://es.wikipedia.org/wiki/AEG

Arte y arquitectura romántica, impresionismo y post-impresionismo

 El Romanticismo

 Frente al neoclasicismo propio del imperio napoleónico, que surgió como una reacción al barroco y  rococó, las nuevas tendencias artísticas, a pesar de heredar el rigor neoclásico y el rechazo por lo  decorativo, fueron más alla de los límites racionales y abogaron por una sensibilidad individual  como el único medio para emitir juicios estéticos. A ella, pues, debían someterse las reglas del arte.  De este modo, toda la estética de la primera mitad del siglo XIX se vio imbuida de las ideas  románticas que, de algún modo, han marcado el rumbo de la trayectoria artística contemporánea y  constituyen la raíz de todo el pensamiento trágico moderno. 

Villa al borde del mar, Arnold Bocklin, 1865.

(123, 4 x 173cm

Schack gallery, Munich, Alemania)

La plaza de San Marcos (282x191cm).
Turner en 1840

El baño turco (óleo de 108cm de diámetro),
conservado en el museo de Louvre de París.
Ingrés.

El realismo

Paralelamente al Romanticismo surgieron otras tendencias estéticas que se opusieron a las poéticas de lo clásico y lo romántico, con el propósito de enfrentarse a esas convicciones románticas que, de alguna manera, introdujeron el concepto de modernidad. El movimiento romántico despertó una reacción exacerbada entre los seguidores de la corriente realista, pues así como los románticos sentían una nostalgia por el pasado, los realista propusieron un nuevo enfoque frente al mundo subjetivo, un cambio frente a las fantasías y visiones exageradas del Romanticismo. Sus ideales no miran hacia el pasado, si no hacia el porvenir. El hombre deja de soñar en una vida que se le aparecía como algo inmutable para especular con la realidad. Los conflictos económicos y el desarrollo del capitalismo, y sobre todo el impulso del pensamiento marxista, comportaron en las corrientes estéticas de la década de 1840-1850 un determinado compromiso de la verdad. El propio Marx exigió que el arte debía comprometerse con el mundo real, pues señalo que todas las ideologías son un producto de la existencia económica y social, dado que los intereses  materiales de la clase social dominante determinan el modo en el que la gente concibe su existencia individual y colectiva.

Entierro en Ornans (315x668cm) 

Courbet 1849-1850. 

Museo de Orsay de Par.

El Royal Albert Hall, Londres. Francis Fowke 

1867-1871. 

Se ubica en la

Zona sur de Kensington

  

 El impresionismo

Frente a la acción de pintar en el taller, y a la precisión de la obra de los realistas, surgió un grupo de artistas que proclamó la idea de la pintura al aire libre y antepuso el acontecimiento a los temas inventados, inclinándose por la aceptación del mundo con todos los cambios casuales y perecederos que existen en él.

En 1862, en París, un grupo de pintores, como Sisley, Manet, Renoir, Cézanne y Pissarro entre otros, comenzaron la búsqueda de una nueva manera de pintar, interesándose por una pintura naturalista y antiacadémica. A pesar de que en un principio todos ellos se sintieron atraídos por la obra de Courbet, pronto crearon un estilo propio. Un años más tarde, Monet expuso, en el salón de 1863, su famoso cuadro Almuerzo en la hierba, y fue precisamente esa obra la que marcó el punto de partida de lo que iba a ser mas tarde este movimiento pictórico. El cuadro fue rechazado por la crítica oficial y el público en general, lo que despertó grandes controversias. Más tarde se añadieron al grupo artistas como Monet y Degas, así como también los críticos más avanzados del momento. En 1874, Degas organizó la primera exposición de los impresionistas en el estudio del fotógrafo Nadar, y fue a raíz de ella cuando comenzó a emplearse el término <<impresionismo>>, que se tomó del conocido cuadro de Monet, Impresión, sol naciente.  

 Rodín, en la Danaide
 (1885, Museo Rodín, París)

Almuerzo en la hierba, Manet 1863.                                                                                                                                    

Impresión, sol naciente. Monet

Fugit Amor. Museo Rodin, París. 

1885-1887. Rodin.

Arquitectura

Una ciudad debe exhibir una gran diversidad de masas, si ha de resultar agradable a la vista. Dentro de ella hay que armonizar los gustos más variados. Que en la misma calle existía un oscuro edifico gótico, un edificio de colorista estilo oriental, una colosal estructura egipcia y una edificación griega llena de placenteras proporciones. Que estén aquí reunidas en armonía la cúpula ligeramente redondeada y de color lechoso, la alta torre de la iglesia llena de espíritu de devoción, la mitra oriental, el tejado plano italiano, el tejado holandés, ricamente decorado y en pendiente, la pirámide de cuatro lados y el obelisco angular. Tendríamos una calle que sería al mismo tiempo una crónica de la historia arquitectónica del mundo. 

Walhalla, construido por Leo von Klenze

 1831-1842. Ubicado cerca

De Regensburg.

Altes Museum de Berlín (1823-1830) Schinkel

La iglesia de la Madeleine, Pierre Vignon.
1807-1845

Biblioteca de Sainte-Geneviéve (1843-1850)
 de París.
Tiene capacidad para 500 lectores

La gliptoteca de Múnich (1816-1830), 

estilo neoclásico. 

Encargo que Luis I de Baviera hizo a

 Leo von Klenze para albergar su magnífica

 colección de esculturas de Egina (Grecia).

La arquitectura de las nuevas tecnologías

La Revolución Industrial comportó la incorporación de nuevos materiales a la construcción, como el hierro, el acero, el cristal y, más tarde, el hormigón. La aplicación de nuevos sistemas de producción supuso una disminución de los costos de los materiales que compensó la subida de los salarios de los trabajadores. Este hecho fomentó el progreso tecnológico, puesto que los contratistas incorporaban nuevas técnicas de construcción para simplificar su ejecución y poder así disminuir los costeos de la mano de obra.

Las necesidades generadas por las grandes ciudades obligaron a concebir nuevos modos de organizar la distribución de mercancías. Eso supuso una sustitución de los criterios estéticos convencionales por otros de orden estrictamente funcional. Por este motivo, a lo largo de casi todo el siglo, el aspecto industrial determinado por los nuevos materiales, estuvo reservado a un tipo de construcción de carácter utilitario, como estaciones de ferrocarril, almacenes, fábricas y puentes. 

Bon Marché (1876). Boileau. París.

Palacio de cristal. Joseph Paxton, construido en 6 mes

Para la exposición universal de Londres en 1851

            Les Halles (1853-1868) París. 

Toerre Eiffel, parís

El impresionismo escultórico

Al margen de la dicotomía entre romanticismo y naturalismo, a fines de siglo, y bajo la influencia del impresionismo pictórico, se desarrolla otra manera de entender la escultura. El artista desplaza su atención de la historia y la alegoría moral del ámbito de la percepción. Propone una forma directa de enfrentarse a la realidad, sobreponiendo el mundo de las sensaciones al saber tradicional. Del mismo modo que en la nueva superficie pictórica se hacía visible la pincelada, en escultura, la superficie que define los volúmenes refleja las tensiones internas y muestra las huellas de las herramientas del artista

El pensador, 1880. Museo
de Orsay, París. Rodín.

El beso, Rodín. Museo
de Rodín, París, 1886.

La portera, de Medardo Rosso 

PINTURA

Captar la naturaleza en su expresión más profunda, en su sentido más íntimo, en ese concepto que eleva a todos los seres hacia una vida más sublime, es la misión sagrada del arte. ¿Puede conseguir este fin una copia simple y exacta de la naturaleza? Es algo tan miserable, torpe y forzado como una inscripción en un idioma extranjero copiada por un amanuense que no la comprende e imita laboriosamente unos caracteres que le resultan ininteligibles. Algunos paisajes no son más que copias correctas de un original escrito en una lengua extranjera. El pintor iniciado en los secretos divinos del arte escucha la voz de la naturaleza, que narra sus misterios infinitos valiéndose de los árboles, las plantas, las flores, las aguas y las montañas. El don de traducir sus emociones en obras de arte de las aguas y las montañas. El don de traducir sus emociones en obras de arte le viene como el espíritu de Dios.

La célebre pintura ecuestre de
Jacques-Louis David;
Napoleón cruzando los Alpes
 (260x221cm, castillo de Charlottenburg,
Berlín) es un homenaje a la gran
gesta del emperador

El más fascinante de los desnudos de Ingres,
La gran odalisca (62x91cm, Museo del Louvre, París)
fue encargado en 1813 por Carolina Murat

                                 

La muerte de Sardanápalo (394x495cm),
Museo de Louvre, París),
óleo que el gran pintor romántico
Eugéne Delacroix pintó en 1827

Obra de juventud de Delacroix, La Barca de Dante
(189x246cm, Museo de Louvre, París),
consagra al autor como un gran colorista, debido
 a sus vivas tonalidades oscuras.

EL POSTIMPRESIONISMO

En la década de 1880 algunos artistas empezaron a desconfiar de la representación instantánea de la realidad propugnada por los impresionistas, e iniciaron una búsqueda de principios más estables y perdurables, por lo cual se interesaron, en gran medida, por los paradigmas de grandes maestros anteriores al impresionismo. A excepción del movimiento neoimpresionista, que bajo el liderazgo indiscutible de Seurat sí constituyó un grupo organizado, los maestros del postimpresionismo (Cézanne, Van Gogh y Gauguin) desarrollaron una obra muy personal partiendo de las enseñanzas de Pissarro. El término <<postimpresionismo>> fue empleado por Robert Fry, el crítico inglés, con motivo de la exposición <<Manet y los postimpresionistas>> que se celebró en Londres en 1910. Cézanne, Van Gogh y Gauguin se opusieron al naturalismo que estaba vinculado a la apariencia de las cosas y buscaron un nuevo sistema de concebir el arte, lo que comportó que se replantearan sus investigaciones formales. Emprendieron la búsqueda de un estilo personal que propició que las obras de un artista gozaran de mayor reconocimiento que en cualquier otro periodo de la historia del arte. 

Gustave Moreau presentó Edipo y la esfinge
 (óleo sobre lienzo, 206 x 104cm,
Metropolitan Museum, Nueva York)
en el salón de 1864

Los unicornios (1898, óleo sobre tela, 115 x 90cm,
 Museo Moreau, París) de Gustave Moreau cuenta
 con otra versión anterior, de 1852. 

La isla de los muertos (h. 1886, óleo,
Museum der Bildenden Künste, Leipzig)

El pobre pescador (óleo, 155,5 x 192,5cm, Museo de Orsay, París)
Pierre Puvis.

Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (206 x 306cm, Art Institute, Chicago). Los años
1884-1886
fueron de un trabajo intenso para Georges Seurat.